Dans ce contexte, le concept de Dong-Dong émerge comme une proposition de convivialité et de « réflexion commune sur les valeurs que nous poursuivons face à un progrès technologique éblouissant et à des crises sociales persistantes ».

Dong-Dong « est tiré de l’expression Dong-Dong-Wang-Rae, Bung-Jong-E-Sa (憧憧往來 朋從爾思) », un ancien vers tiré du Yi Jing, qui signifie approximativement : « Dans le jeu lumineux du mouvement et du retour, les compagnons sont attirés par une pensée partagée ».

Dans cette optique, ISEA 2025 promet une édition axée sur le vivre-ensemble, affirmant que lorsque la conscience et l’univers des créateurs s’épanouissent, nous pouvons transcender les barrières matérielles et sociales. L’art électronique et émergent serait alors un moyen d’y parvenir.

Louis-Philippe Rondeau a présenté une conférence artistique dans le cadre du panel de la galerie ELEKTRA. Il y a dévoilé son plus récent projet, qui cherche à réinterpréter les images nuisibles et absurdes qui inondent les réseaux sociaux, afin d’en extraire une forme de beauté.

L’abîme s’inspire du défilement infini auquel on peut succomber en naviguant dans des contenus générés par l’IA — ou AI slop — qui saturent l’espace numérique, notamment sur des plateformes comme TikTok. Bien que souvent perçus comme inoffensifs ou humoristiques, ces contenus transforment notre rapport aux images et à l’information, contribuant à une forme d’érosion cognitive (brain rot) tout en renforçant les algorithmes qui les propagent. Il devient alors facile de se noyer dans un flux automatisé de contenus qui peuvent rapidement devenir toxiques ou haineux.

Yann Breuleux a présenté une conférence portant sur une série récente de travaux. Matière Première a débuté pendant la pandémie sous la forme d’un test technique : la numérisation de son propre visage. En le multipliant et en l’augmentant, ce visage a été transformé en un environnement virtuel, ensuite converti en images à travers la photographie in-game, s’inspirant de l’univers minéral.

En systématisant cette transposition de l’environnement en espace narratif, l’expérience esthétique a ensuite été présentée en format fulldome. Le résultat est une série d’animations longues (environ 10 heures), interpolant divers points de vue à l’intérieur de l’espace virtuel. Le projet explore la remédiation d’un même contenu à travers plusieurs formats, en partant de la création d’un environnement numérique où l’échelle et la lenteur jouent un rôle fondamental dans l’expérience esthétique de chaque itération.

Leur jeu Things Happen, développé lors d’un game jam de 72 heures, consiste à empiler des cubes qui apparaissent toutes les dix secondes sur une plateforme. Cette mécanique simple devient progressivement plus difficile, les cubes continuant de tomber tandis que la plateforme rétrécit. Réflexion sur l’échec, ce jeu impossible à gagner devient une métaphore de la vie, où il est impossible de tout gérer — ou de tout retenir.

Selon Chiapello et Glesser, dans la création vidéoludique, les outils ne définissent pas nécessairement ce que l’on peut faire avec eux : ils peuvent être détournés ou considérés comme des partenaires créatifs. Cette approche met en lumière l’agentivité des outils eux-mêmes, nous invitant à repenser leur rôle dans des processus où la surprise et l’imprévu comptent davantage que l’exécution parfaite d’une idée initiale. Elle ouvre également un espace de réflexion critique sur les outils et leurs biais, et sur la revalorisation de dimensions moins visibles — comme le féminin. Les outils technologiques eux-mêmes peuvent engendrer des divisions — y compris genrées — dont nous sommes plus ou moins conscients lorsque nous les utilisons.

Par exemple, lors du panel Artist Talk 5, Kate Ladenheim a proposé un modèle d’apprentissage riche et à plusieurs niveaux, intégrant l’IA, son propre corps de danseuse, et un public capable de fournir des retours en temps réel via une application mobile. Sa performance consistait à tomber au rythme de chansons pop, créant une boucle de rétroaction entre la machine et le corps, évoquant les chutes dramatiques des personnages de jeux vidéo — souvent issues de bibliothèques de capture de mouvement. Dans cette fascinante dancertation, les réactions du public étaient façonnées par des jugements et attentes sur ce à quoi une chute « crédible » devrait ressembler, et sur la manière dont le corps de Ladenheim devait performer. Ce sont là des questions cruciales dans le contexte de l’exposition artistique, car elles révèlent comment nos actions et perceptions sont influencées par nos conventions et préjugés. Pourtant, le public était abordé comme une entité abstraite et homogène — alors qu’en réalité, chaque audience apporte avec elle des attentes et des biais différents, façonnés par ses expériences individuelles.

Dans un tout autre registre, Jinsil Hwaryoung a présenté le LPXR Lab for Live Arts and Immersive Technologies, basé à l’Academy for Visual and Performing Arts de la Texas A&M University. Elle a mis en lumière le travail de développement approfondi mené par son équipe et ses étudiants pour créer un espace intégré dédié aux technologies immersives, en particulier la réalité virtuelle (VR) et la réalité étendue (XR).

Par exemple, Jean Chu a encouragé ses étudiants universitaires à définir l’intelligence artificielle par des moyens non technologiques — tels que la sculpture, la bande dessinée, le texte ou la musique. L’exposition qui en a résulté a offert une réflexion pertinente sur la dépendance des jeunes envers l’IA.

Une autre intervention rafraîchissante est venue d’un trio de musiciens et pédagogues spécialisés dans l’improvisation transculturelle. Badie Khaleghian, Aruna Kharod et Kate Campbell Strauss ont ouvert leur atelier par une improvisation en direct mêlant saxophone, sitar et musique électronique. Ils ont ensuite présenté une application musicale qu’ils ont développée, avant d’animer un atelier où des non-musiciens ont pu jouer ensemble. Le résultat fut un véritable moment de partage, fondé sur l’écoute active et la conscience mutuelle.

Cette édition de l’ISEA a nourri une réflexion riche et diversifiée sur les arts électroniques, où des points de vue critiques et nécessaires ont été partagés quotidiennement. Toutefois, à un niveau de lecture plus profond, la majorité de ces réflexions semblaient orientées vers la maîtrise des procédés technologiques de pointe comme finalité artistique.

Si la question du « pourquoi nous faisons ce que nous faisons » semble relativement claire à travers les communications présentées lors du symposium de cette année, il serait peut-être tout aussi nécessaire d’explorer la question du « pour qui ».

La réflexion manquante — non pas sur les procédures techniques ou sur le « soi », mais sur le ressenti et sur « l’autre » — pourrait permettre d’aborder directement les sensations du public. Non pas en pensant ce public comme une entité large et abstraite, mais comme un ensemble d’individus spécifiques, avec lesquels des échanges — ou simplement des moments — significatifs peuvent être créés. Cela pourrait nous aider à mieux articuler l’humanité de nos échanges, à être plus attentifs à la manière dont nous habitons le monde, et à mieux nous situer en tant qu’individus au sein d’un système de relations. Cette réflexion est d’autant plus pertinente si l’on invoque régulièrement des notions telles que l’écologie, l’enchevêtrement, le devenir ou les visées post-humanistes, comme ce fut le cas dans la conférence de Yunchul Kim.

Un questionnement plus profond sur nos actions — leurs objectifs, leur éthique, le travail qu’elles impliquent, leurs impacts et leurs coûts — ainsi que sur leurs destinataires — les personnes à qui les œuvres sont destinées, les collègues, les collaborateurs — pourrait nous rapprocher, ne serait-ce qu’un peu, de cette « force vitale de l’amour universel » évoquée par le Dong-Dong.

En termes simples, reconnaître le privilège de faire partie d’une communauté mondiale dédiée à la création et à la recherche à travers des systèmes et technologies avancés pourrait nous aider à mieux aligner nos actions avec nos discours.

Dans cette perspective, l’art par la technologie ne devient pas seulement un objectif, mais aussi un moyen tangible de favoriser le vivre-ensemble.